La collezione è natura (continuum) si confronta con ambiente e paesaggio attraverso l’opera di ventidue artiste e artisti in collezione, che raccontano la Terra, i suoi tempi e i suoi attori, insieme al nostro modo di abitarla nella storia, dal Medioevo ai giorni nostri.

Fatma Bucak fotografa le relazioni tra violenza politica, cambiamento climatico e distruzione ambientale in un paesaggio desertico, dove una colonna solitaria sorregge un pesce schiacciato da una pietra, un rituale funerario sospeso in un tempo immobile e indefinibile. 
Gli stessi tempi lenti e isolati di una cerimonia, normalmente associati alla morte di un umano, sono applicati al mondo vegetale da Janis Rafa, che riprende la sepoltura di un albero (ma) ancora vivo. 
Così Becky Beasley ritrae memoria e rinascita nella “gioia d'autunno”, una pianta fiorita nel giardino della casa d'infanzia, dove furono sparse le ceneri della nonna e sepolto il cane di famiglia. 
Una dualità che definisce anche le fotografie di Ettore Favini, di un tratto del Canale Vacchielli a Crema, dove d'estate le ragazze e i ragazzi si fanno il bagno nonostante i divieti, e dove l’acqua è altrettanto spensieratezza e pericolo, vita e perdita.
Vulnerabile, giovane e tenera è la natura ritratta da Nan Goldin, una distesa di “orecchie d’agnello”, foglie morbide e delicate. 
Zoe Leonard constata un’altra ambivalenza della natura, dove la vita è una lotta continua: il corpo di un castoro galleggia in acque lattiginose, scolpito dal gelo che dà nuovo risalto alle forme. 
Le acque di Walker Evans sono altrettanto scure in una fotografia commerciale degli anni Cinquanta, che non cerca alcun effetto drammatico né persegue alcun desiderio di denuncia – eppure, lo sguardo contemporaneo non può che cogliere una natura tragicamente in affanno. 

In mostra anche i paesaggi della mente: quello di Pierre Alechinsky è un sole simbolico, carico di forza interiore, quell'energia primitiva che contraddistingue lo spirito CoBrA di cui fu tra i fondatori; quello di Vincenzo Agnetti è fiorito, inciso sulla carta fotosensibile annerita dall’esposizione, dove si palesa il valore emozionale dell'immagine, poesia viva e vitale; quello di Fabrizio Plessi, un “vero paesaggio italiano”, cessa di essere rappresentato per diventare struttura visiva, puro dinamismo della linea curva che attraversa e schiva, veloce, le montagne; quello di Maria Teresa Ortoleva è una topografia di pensieri, il paesaggio disegnato dalle onde cerebrali di qualcuno che sta attraversando una foresta. 
La natura sognante si risveglia, antropomorfa, nel disegno di Marta Pierobon, ritrovandosi fantastica e mitologica, metafisica e surrealista, e diventa allucinazione nei paesaggi di vedovamazzei. Rave Party richiama un contesto collettivo, caotico, contemporaneo, ed Enjoy Flowers introduce un elemento decorativo, apparentemente innocuo – finché la nuvola non diventa missile. 

Per alcune artiste e artisti la natura è il mezzo – pittorico per Flavia Albu, che studia genesi e potenzialità della rappresentazione, dove non c’è separazione tra una campitura di colore e un’isola di terra rossa; fotografico per Laura Pugno, che sceglie di stampare il litorale adriatico su una carta abrasiva come l’azione dell’acqua; scultoreo per Giuseppe Uncini, che non utilizza cemento, ferro e terra per imitare, ma li presenta per ciò che sono: terreno e costruzione, natura e artificio. 
E ancora, l’orizzonte di Buhlebezwe Siwani è dipinto con sapone, cenere, argilla e olio, utilizzati come simulacri che rivelano il significato più profondo (l’ostacolo) piuttosto che rappresentare (la montagna); mentre Anna Galtarossa sovrappone macro e micro nelle trame dell’arazzo, realizzato con l’antica tecnica sarda del pibiones, animando i fili colorati tra animale e paesaggio, corpo e percorso. 

I generi artistici tracciano un ennesimo filo rosso: Olmo Erba guarda alle rappresentazioni medievali di come si abitava la terra attraverso le vicende dei santi – come San Lucio, patrono dei casari, martirizzato perché distribuiva ai poveri la mascarpa; Marco De Sanctis si appropria di paesaggi marini di pittori anonimi dal XVII al XIX secolo e sottrae dalla superficie pittorica originaria, combinando abrasione e restauro; i dipinti di Linda Carrara condividono uno stato di sospensione dove ogni presenza, umana e artificiale, diventa natura morta. 

La collezione è natura anche attraverso chain chain chain, un domino di immagini e parole raccolte da Jacopo Rinaldi a partire dalle illustrazioni del Theatrum Sanitatis (Franco Maria Ricci Editore, Parma, 1970), i cui tre volumi sono parte della collezione.
Catalizzatrice è stata una miniatura medievale della Mandragola da cui l’artista ha avanzato per associazioni fino all’Apollo e Daphne del Pollaiuolo, attraverso una performance di Pina Bausch e una recente documentazione fotografica della domenica delle palme festeggiata in Salvador, percorrendo liberamente storia dell’arte, folclore, cinema, danza, mitologia e televisione. 

Uno sguardo importante è rivolto anche all’esterno, oltre lo spazio espositivo, verso la prima isola di verde che si incontra: in mostra l’anteprima di un progetto di riqualificazione del verde di Piazza Caneva realizzato in collaborazione con Park. Gallerie Guzzetti proporrà un ripensamento della piazza insieme allo studio e attraverso la progettualità di artiste e artisti, per farne un luogo di interazione più profonda, rispettosa della natura. 
Nell’aprile 2027 il progetto sarà restituito al pubblico, con il desiderio che da visione possa diventare luogo.

ph. Anelle Taulé